Mode et rituel en Amérique latine coloniale » – WWD

Reculez 300 ans dans l’Amérique latine coloniale et les textiles sont somptueux, les modes s’apparentent souvent à la couture, et qui portait ce qui était déterminé non seulement par ce qu’ils pouvaient se permettre, mais aussi par la classe et la race.

C’est un décor avec lequel l’exposition « Tissu peint : mode et rituel en Amérique latine coloniale », qui s’ouvrira le 14 août au Blanton Museum of Art à Austin, au Texas, entourera ses visiteurs.

À travers vêtements, textiles, peintures et sculptures, ce voyage dans l’Amérique latine des années 1700 (le dernier siècle complet du règne colonial espagnol dans la région ; il s’est terminé dans les années 1820 après plus de 300 ans) est l’occasion de revisiter et de réviser un récit façonné par la domination coloniale et de comprendre la signification des tissus et des vêtements dans la vie et la religion de l’époque. Avec des groupes autochtones, des Africains réduits en esclavage, des colonisateurs espagnols et leurs descendants métis qui se mélangent sous une forme ou une autre, il est impossible de raconter l’histoire de la mode dans la région à travers le seul prisme de l’Espagne.

“La mode a fourni une agence pour tous les secteurs sociaux à la fois en termes de race et de classe, et malgré l’objectif des autorités espagnoles, qui ont essayé de restreindre certains vêtements à des secteurs sociaux spécifiques, la mode était, comme elle l’est aujourd’hui, très fluide”, a déclaré le Dr. Rosario I. Granados, Marilynn Thoma conservateur associé de l’art des Amériques espagnoles pour le musée Blanton, dit. “Vous pouvez porter des choses pour être perçu de la manière dont vous voulez être perçu et c’est ce qui s’est passé à l’époque coloniale. Et je pense que c’est important parce que peut-être que cette même conversation sur la façon dont la mode vous permet de naviguer entre différentes périodes est quelque chose qui [could help us] commencer à avoir une conversation sur la race. Tout comme le genre est très fluide, pourquoi n’acceptons-nous pas que la race est également très fluide, que la couleur de votre peau dit quelque chose sur vous mais ne vous limite pas à ce que vous devez être ? »

L’exposition se déroule en cinq sections : « Fabrication de vêtements », « Porter un statut social », « Habiller le sacré », « La sainteté du tissu » et « Vêtements rituels ». Les pièces proviennent du Mexique, du Pérou, de la Bolivie, du Guatemala, du Venezuela et du sud-ouest américain.

N’ignorant pas le conflit de mettre en évidence une période qui était à la base de tant d’inégalités sociétales persistantes dans tous les endroits qui ont connu la domination coloniale, Granados écrit dans le catalogue d’accompagnement de l’exposition que ceux qui vivaient sous la domination espagnole – et contournaient ces règles en matière de tenue vestimentaire. – a trouvé des moyens d’utiliser la mode “pour tromper le système et le transformer au mieux de ses intérêts”.

Citant l’historienne Tamara Walker, qui a écrit dans ses propres recherches que les Africains réduits en esclavage ont pu trouver leur propre agence en traversant les rues de Lima “en évidence dans l’élégance vestimentaire des Espagnols”, ce qui a donné un clin d’œil au statut de leurs maîtres, Granados dit que le ” Porter un statut social » de l’exposition montre que des groupes autochtones et métis d’autres régions d’Amérique latine ont également trouvé des moyens d’utiliser la mode pour naviguer dans la vie.

« De cette façon, la mode montre de manière unique comment le colonialisme ainsi que l’agence ont été exercés dans la vie quotidienne », écrit Granados, ajoutant : « Elle offre une meilleure compréhension du tissu social qui a conduit au besoin même de souveraineté ».

Les règles stipulaient que certaines races en particulier devaient porter certains vêtements afin que les autorités puissent conserver un contrôle social et économique sur eux.

Une ordonnance de 1582 à Mexico, par exemple, a statué que les femmes qui n’étaient pas autochtones ne pouvaient pas porter de vêtements traditionnels autochtones, comme la tunique. huipil et cueitlune jupe portefeuille (ce qui les aurait exonérés de certaines taxes dont les populations autochtones protégées n’étaient pas redevables, entre autres libertés).

Ce qui est peut-être un moment de boucle avec aujourd’hui, où les vêtements artisanaux et traditionnels sont plus largement appréciés (sinon à la mode), les vêtements autochtones étaient un symbole de statut pendant la domination coloniale (ce qui, selon Granados, aurait pu être considéré comme une appropriation culturelle de l’époque coloniale).

Les femmes ordinaires non autochtones devaient s’habiller dans le style espagnol, avec un asayo (jupe), un chemisier, un rebozo (châle) et un tapapiés (jupon). Les femmes noires se couvraient souvent la tête et le haut du corps avec le tapapiés. Les femmes avec plus de moyens pourraient avoir un corset noué sur le devant de leur chemisier, clin d’œil à l’influence de la mode française. Les «roturiers» autochtones masculins portaient des chapeaux de paille, tandis que la noblesse portait des chapeaux de feutre. Et ainsi de suite les distinctions.

“Chaque groupe était censé porter des vêtements spécifiques pour pouvoir être reconnus”, explique Granados. “La couronne espagnole était très inquiète de la façon dont les gens se mélangeaient parce qu’il n’était pas possible de les taxer correctement parce que c’était un problème d’identification dans quelle case chacun [group of] les gens étaient, comme c’est aujourd’hui et comme c’est toujours le cas. Et je pense que c’est une grande différence pour comprendre comment le colonialisme a fonctionné différemment dans les Amériques par rapport aux États-Unis ou en Inde ou dans tout autre environnement colonial.

Certaines de ces distinctions vestimentaires seront visibles dans le caste peintures exposées à l’exposition. Ces peintures, destinées à représenter “une version idéale de ce qu’était la société coloniale”, selon Granados, représentent différentes personnes d’ethnies différentes et portant des modes différentes engagées dans diverses activités correspondant à leur classe ou caste, d’où le nom du genre (par exemple, la noblesse ne faisant rien, classe ouvrière engagée dans le commerce). Une série de pièces de style similaire du Pérou sera exposée aux États-Unis pour la toute première fois à Blanton.

Au fur et à mesure que ces différents groupes ethniques continuaient de se mélanger, et avec Mexico en particulier un centre commercial, les textiles de la région se sont également améliorés – que les visiteurs de l’exposition pourront voir, y compris un ensemble d’échantillons de soie du Mexique envoyés avec les rapports officiels à le roi d’Espagne – prendre de nouveaux traits et caractéristiques.

“Traditionnel uncus, par exemple, ces tuniques fabriquées au Pérou qui étaient si importantes pour les Incas et qui étaient faites de laine, ont commencé à être faites en coton avec des broderies de soie. La huipiles qui étaient faites avec du coton, elles ont commencé à être faites avec de la soie. De plus, les teintures étaient différentes. La soie était teinte avec des insectes locaux, la cochenille [a red-hued insect], par exemple. Il y avait donc une influence constante entre eux », explique Granados. “Nous allons avoir dans le spectacle une peinture d’un indigène caciqueou leader, qui porte un huipille vêtement très traditionnel des femmes, et il est brodé d’un aigle… c’est un [Spanish] insignes royaux, il y avait donc une influence constante.

Là encore, il y a la ligne souvent controversée entre l’influence culturelle et l’appropriation. Mais cette exposition ne vise pas à creuser cette controverse, mais plutôt à éduquer pour éclairer.

Ce que Granados veut que les visiteurs retiennent de l’exposition, c’est une compréhension plus profonde des diverses influences sur la mode et l’habillement pendant la domination coloniale, qui n’était en aucun cas uniquement dictée par les colonisateurs. Elle souhaite également que l’industrie saisisse mieux la contribution des groupes autochtones à la mode et au textile dans la région, qui reste une industrie florissante aujourd’hui – pas une niche à noter uniquement lorsqu’un créateur de luxe européen se l’approprie pour la piste.

“Ces traditions textiles ont changé constamment, mais elles étaient très vivantes à l’époque coloniale autant qu’elles le sont encore aujourd’hui”, dit-elle. “[The exhibit] amènera également la conversation sur ce qu’était réellement l’expérience coloniale en Amérique latine.

Il s’agit de visibilité et d’ajouter au canon de la mode ce qui a longtemps été omis au profit de récits eurocentriques.

Parmi les pièces préférées du conservateur ? D’une femme anacu (robe) en fibre de camélidé (membre de la famille des chameaux) et coton avec surpiqûres brodées de la fin du XVIe siècle, et une soie et coton rebozo de la fin du 18ème siècle. De ce dernier, Granados dit: «Ce n’était pas un objet à porter tous les jours mais il a des images de [Mexico City] et je pense qu’il est très intéressant de voir comment ce particulier rebozoet aussi d’autres qui font cela aussi, ils ont été utilisés comme objets pour montrer la fierté de Mexico au centre de nombreuses influences, et vous pouvez voir que les figures brodées montrent la mode européenne et indigène.

L’exposition «Painted Cloth» se déroule au Blanton du 14 août au 8 janvier 2023. Le livre de table basse du même nom, avec un contexte plus profond pour ceux qui veulent creuser, est disponible en précommande via l’Université of Texas Press et sera publié en même temps que l’exposition. Le 21 octobre, un symposium adjacent (via Zoom), «Le tissu des Amériques espagnoles», réunira des universitaires de toutes les Amériques et du Royaume-Uni pour poursuivre l’exploration du rôle social joué par les arts textiles dans l’Amérique latine coloniale.

“J’espère vraiment que ce n’est que le début d’une conversation plus large et plus significative”, a déclaré Granados.